PANTALLA PINAMAR ( Parte I )
una pequeña ventana de cine a orillas del mar
En Pinamar un exclusivo balneario del sur de la Provincia de Buenos Aires, creado hace más de setenta años por el arquitecto Jorge Bunge que tuvo la idea de facilitar a muchos el acceso a estas amplias playas, fundando así la ciudad de Pinamar. El original proyecto fue crear un balneario en el que el verde de la naturaleza formara con el mar un armonioso conjunto, aplicando conceptos urbanísticos muy avanzados para la época, consiguiendo de ese modo un atractivo lugar de descanso para disfrutar en familia y con amigos.
Entre las curiosidades de la zona se encuentra el Viejo Hotel Ostende también conocido como el Hotel de los Fantasmas entre los escritores que lo frecuentan. A nadie sorprende la leyenda que indica que fue en un papel con membrete del hotel que Antoine de Saint-Exupéry escribiera sus primeros textos durante sus dos veranos en la región. hospedado en la habitación 51 de la torre, hoy recreada tal como la dejó el aviador. Las paredes del bar albergan las copias facsimilares de los bocetos de su obra El principito y una añeja vitrina presenta las ediciones de sus obras. Enclavado entre las dunas y el mar, el hotel fue acumulando historias e inspiró otras nuevas historias. Adolfo Bioy Casares y Silvina Ocampo escribieron la novela policial “Los que aman, odian”, cuya trama transcurre en el hotel sitiado por las tormentas de arena.
En ese espacio poblado de fantasmas y misterios, de urbanizaciones modernísimas y viejos monumentos, con historias tejidas con el hilo fantástico de la imaginación popular , se llevó a cabo entre el 3 y el 10 de marzo el Octavo Encuentro Cinematográfico Argentino – Europeo, “Pantalla Pinamar 2012”, organizado Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de la Argentina y el Gobierno Municipal de Pinamar, contando con los auspicios de diversas entidades privadas y del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.
Carlos Morelli, director de Pantalla Pinamar, anfitrión del evento no dejó que nada al azar, ni que escapara a su control y por eso una vez más el Encuentro fue un éxito. En el mismo se presentaron alrededor de 70 películas entre cortos, largometrajes y documentales. Dividido en secciones se pudo apreciar el nivel de calidad del cine extranjero y argentino, aunque no todos los filmes fueron del agrado del público.
ESTRENOS, RETROPECTIVAS, TRIBUTOS, EXPOSICIONES E INVITADOS...
Este año el número de espectadores superó los 30.000, un poco más de la mitad de los habitantes radicados en Pinamar, a los que se agregaron además los que hacen turismo en esa fecha para participar del festival, y habitantes de los pueblos vecinos que fueron a ver determinadas películas.
Los países invitados especialmente este año fueron Francia, y Polonia que, acercaron, además de misiones diplomáticas una excelente filmografía y la gastronomía de sus respectivos países. La presencia de España es insoslayable en estos eventos dado que desde hace ocho años está ligada a Argentina no sólo mediante lazos de amistad sino de hermandad entre los pueblos de Málaga y Pinamar. Entre los integrantes de la comitiva figuraba su embajador: Rafael Estrella, su agregado Cultural: Manuel Durán y el director del Cultural de España en Buenos Aires: Ricardo Jaime, Directivos de la Escuela Superior de Artes Audiovisuales de Caraluña; Montxo Armendáriz: director y guionista navarro que aborda temáticas sociales. De sus 10 filmes 3 fueron premiados: (1990)-Goya al mejor guión original: Las cartas de Alau, (1995) Goya al mejor guión adaptado: Historia de Kronen, (1998) Berlinale-Ángel Azul de Berlín: Secretos del corazón.
Los premios que se otorgaron fueron votados por el público asistente y los críticos y el resultado y entrega de estatuillas o diplomas se realizó el último día del festival, los ganadores fueron:
Tiempos menos modernos, El dedo y El túnel de los huesos ganaron los tres premios principales de Pantalla Pinamar 2012, .
Balance de Oro: "Tiempos Menos Modernos", de Simón Franco
Balance de Plata: "El Dedo", de Sergio Teubal
Balance de Bronce: "El Túnel de los Huesos", de Nacho Garassino
Premio SIGNIS: "Abrir Puertas y Ventanas", de Milagros Mumenthaler
Balance Especial a la Trayectoria: Daniel Burman, Montxo Armendáriz y Radu Mihaileanu
Balance de Plata: "El Dedo", de Sergio Teubal
Balance de Bronce: "El Túnel de los Huesos", de Nacho Garassino
Premio SIGNIS: "Abrir Puertas y Ventanas", de Milagros Mumenthaler
Balance Especial a la Trayectoria: Daniel Burman, Montxo Armendáriz y Radu Mihaileanu
Se realizó un Tributo a las grandes producciones argentinas que ya son un clásico y a una española que alegró los corazones de muchos españoles en el destierro con sus canciones y las queridas figuras de Carmen Sevilla y Luis Mariano. Quien no recuerda hace 60 años a “Violetas Imperiales” de Richard Portier , o aquella magnífica película de Hugo del Carril: "Las Aguas Bajan Turbias" (60 años), o los 50 años de "La Cifra Impar", de Manuel Antín y también los 25 años de "Hombre Mirando al Sudeste", de Eliseo Subiela.
También se presentó en el Hotel Terrazas una exposición: Cine Francés, Afiches Argentinos , colección de los hermanos Juan Carlos y Federico de la Torre, entre los que figuraban: Borsalino, Belle de Jour, Diario de una camarera, Un joven honorable, Vivir por vivir, A pleno sol, Las relaciones peligrosas, etc.
El balance de Pantalla Pinamar 2012, dejó una vez más la necesidad de un próximo encuentro en el 2013 con un cine que siempre se renueva y amigos con los que compartir buen cine, y sobretodo reencontrar un festival no ampuloso, pero si cálido y afectivo donde se comprende porque todo funciona bien. Eso no es milagro sino gracias al equipo que acompaña a Carlos Morelli que permite que todo fluya y se a más agradable la convivencia entre periodistas, artistas, e invitados. ********************** Beatriz Iacoviello
sábado, 28 de abril de 2012
PANTALLA PINAMAR – (Parte II)
Cine Argentino y Europeo a la orilla del mar
El festival de Pantalla Pinamar se caracteriza por presentar curiosas, a veces extrañas, cintas europeas, extranjeras y otras rarezas argentinas. En esta ocasión se exhibieron varios films, no se puede escribir sobre todos, pero sí sobre los que más me interesaron no sólo por sus facturas sino por sus contenidos, como en el caso del film alemán:
“Der Mann Der Über Autos Sprang” (El hombre que saltaba los autos-2010) de Nick Baker – Montey, que ganó el premio al Mejor Guión en el festival Max Ophüls, 2011. Es la historia de un joven que escapa de un hospital psiquiátrico para iniciar un viaje a pie hasta Berlín, y así evitar la muerte del padre de su mejor amigo. El filme toma la idea de un road movie como viaje iniciático en el que Julián (Robert Stadlober) va desgranando su filosofía de vida a quienes se pliegan a él, como séquito de un rey sin corona. Ya sea por su encanto o por su modo tan particular de persuadir, dos mujeres: una joven ama de casa, Ruth, cansada de la rutina y con un marido e hijos que no le dan el lugar en su espacio familiar y la otra una médica frustrada, Dra. Julianne, lo acompañan en la travesía a la vez que su modo de ver la vida va modificándose a medida que se acercan al destino. Otro de los personajes un policía, Jan, que también posee una vida poco agradable, de constantes litigios con su mujer y compañeros de oficina. Jan persigue al joven hasta lograr detenerlo y regresarlo al hospital. Julián, “El hombre que saltaba los autos”, por instantes nos acerca a Rantes, en “Hombre mirando al sudeste”, y Nick Baker – Montey deja entrever un leve parentesco con la película de Eliseo Subiela, sin ser semejante. “Deer Mann Über Autos Sprang”, es un filme distinto, en el cual se le da importancia al otro, al semejante, en el que se reflexiona sobre el modo de vida de la sociedad del siglo XXI, sobre el valor prioritario del dinero anteponiendo el mercantilismo al corazón, en el que se dejan de lado valores como la amistad o el amor. Este dentro de Pantalla Pinamar fue uno de los films que más incitó al espectador a realizar una introspección desde el punto de vista metafísico.
“Under Dir, Die Stat (Debajo de ti la ciudad - 2010) de Christoph Hochhausser, fue otro de los films alemanes que se ocupa del otro, en cómo se puede manipular la vida de los demás por el sólo hecho de ejercer el poder a través del dinero y las influencias. Una sola persona puede modificar nuestro entorno y éste puede tornarse desquiciante en la fracción de un segundo. En “Debajo de la ciudad” se cuenta la historia de un hombre Roland Cordes (Robert Hunger- Buhler), banquero, que se obsesiona con la mujer, Svenja (Nicolette Krebitz), de uno de sus empleados hasta sacar a éste del medio enviándolo a Indonesia. Entre ellos se crea un vínculo enfermizo del que no pueden escapar. La pasión prima en este caso antes que el amor y la pulsión de obtener lo que se quiere a toda costa antes que la de los sentimientos. Este es uno de los filmes donde la arquitectura juega un rol importante y los imponentes edificios de hierro y cristal son metáfora de lo despiadado y hueco que puede ser el mundo de las finanzas.
“Le gamin au veló” (El chico de la bicicleta-2011) de Jean- Pierre y Luc Dardenne, se interna en el mundo de un chico preadolescente que trata desesperadamente de encontrar a su padre. En este filme la narrativa es sencilla y hasta casi lineal, su, ritmo que no decae y va creciendo a través de puntos de giro bien encadenados. Una vez más los hermanos Dardenne continúan con su línea realista que se aproxima a la gente común , trabajadores de distintos oficios , profesionales y especialmente a los jóvenes que buscan salida a sus tormentosas vidas, En esta película nos presentan a Cyril (Thomas Doret) un muchacho problemático que naufraga en un mundo adulto el cual le brinda dos posibilidades: la calle con su indiferencia, proxenetas, traficantes, odio y desamparo, mientras por otro lado le ofrece afecto, educación y protección. La sociedad como un obstáculo peligroso es lo que se antepone en forma permanente entre él y su padre. En esa encrucijada deberá elegir qué camino tomar y tomar la responsabilidad de su decisión. Cyril comienza a madurar y se percata de lo que le conviene hacer para evolucionar, pedir perdón y aprender a defenderse.
“También la lluvia” (2011) de Iciar Bollaín. Esta cinta presenta un esquema metacinematográfico en el cual se cuenta una historia dentro de otras historias, pero que al final es siempre la misma historia de víctimas y victimarios. Con algunas reminiscencia de aquel cine político o social de los 40´, 60´u 80´. La premisa de Iciar Bollaín fue buscar en la trama paralela la relación entre personajes que se enfrentan a comunidades diferentes. En el rodaje encontramos la discusión entre equipo de producción versus extras locales; en el conflicto local la pelea se da por el agua y la disputa es entre pobladores y una transnacional que quiere apoderase del agua de la región, El filme no trata de engañar y su narración define un dibujo incuestionable de buenos y malos.
“Mlyn I krzyz” (“El Molino y la Cruz” 2011) de Lech Majewski. Una realización bella y exquisita como pocas, que trata de la escenificación del cuadro “Cristo cargando la cruz”, del pintor flamenco Pieter Brueghel, y que se basa en el libro del historiadorMichael Francis Gibson. Le tomó a Majewski tres años para completar la película. Fue un trabajo que requirió paciencia e imaginación, así como el uso de nuevas tecnologías y los efectos CG en 3D. Estuvo tres años pasados tejiendo un enorme tapiz digital compuesto por capas y capas de perspectiva, fenómenos atmosféricos y pueblo en sus diferentes clases sociales.
“El molino y la cruz” invita al espectador a reconstruir, a partir de los dibujos preparatorios de Brueghel, un cuadro que refleja el sentido profundo de sociedad del siglo XVI. El director a través de Ruter Hauer (su alter ego y también del pintor) siguió los consejos que el artista especificó en bocetos, y trasladó las imágenes a la pantalla, junto una historia épica de coraje, rebeldía y sacrificio. Como un detective en un camino de pistas, busca desentrañar el lenguaje oculto de los símbolos.
Brueghel era, y sigue siendo, el filósofo más sabio entre los pintores. En la mayoría de sus obras se esforzó en ocultar lo evidente mediante la plantación de las distracciones en otro lugar. Lo oculto debe ser palpable - era su estratagema para mostrar la quintaesencia del sufrimiento-. Es decir, mostrar aquello por lo que nadie se preocupa… La víctima se queda sola, abandonada, olvidada, a merced de los cuervos... Los otros tienen que vivir sus vidas y de alguna manera sacar el máximo provecho de ellas. Hay otros temas en“El Molino y la Cruz”, y es que sólo un artista puede detener el tiempo, capturar el momento e inmortalizarlo. Pero nada es más importante que lo oculto, porque allí se halla la esencia de la Verdad. Uno de los artistas más atrevidos e inspirados de hoy y de los directores de cine, Lech Majewski traduce el camino del Calvario en el cine, invitando al espectador a vivir dentro del universo estético de la pintura en el momento en que se está creando. Como varios temas se dan en el marco de la película (y del cuadro), y esto le permite al espectador ser testigo de la captura de fragmentos deBrueghel de sus historias desesperadas en su lienzo en "themaking".
El tema central que aparentemente parece poco visible es la sangrienta represión de la Inquisición española frente a la reforma protestante en los Países Bajos. La película ofrece una meditación dinámica entre el arte y la religión, como así en los procesos en curso, en las diferentes capas de la narración colectiva y la reinterpretación. “El molino y la cruz” es también una fiesta de impresionantes efectos visuales, una alegoría de provocación y untour de force cinematográfico sobre la libertad religiosa y los derechos humanos, sobre los derechos del individuo y el poder.
“Les Femmes Du 6éme. Étage” (Las mujeres del 6° íso-2010) de Philippe Le Guay. En los años 60 Fabrice Luchini (Jean-Louis Joubert) corredor de bolsa, formal y atrapado en la telaraña de las leyes sociales, avizora que existe otro mundo sobre su cabeza. En el viejo edificio donde habita, también viven un grupo de españolas que trabajan en Francia para enviar dinero a sus pueblos en España. Comedia muy bien construida, que provoca la risa fresca a la vez que ejercita la sátira mordaz hacia el mundo actual, con la invasión de extranjeros que paulatinamente van desplazando de los trabajos más duros a los franceses. Descubre también que la alegría puede formar parte de su vida y se aferra a ella enamorándose de una jovencita a la que persigue hasta España.
“Tournée” (De gira-2011) de Mathieu Amalric. “Tournée” no solo es un road movie, de unas artistas del burlesque, que van en busca del éxito o de ganar dinero. Es el periplo grotesco de un grupo de mujeres, que se unieron a un empresario que debe luchar por sostener su familia, y a la vez conseguir contratos para financiar la empresa. Con los acordes y aullidos de Have Love Will Travel, en la versión de The Sonics, Mathieu Amalric abre el telón de esa troupe, representada por un grupo de exuberantes y voluptuosas bailarinas, circenses y fellinianas, de New Burlesque proveninete de los Estados Unidos. El protagonista Joaquín es un antiguo productor televisivo luego de buscar fortuna en Norteamérica, regresa a Francia acompañado por una troupe de reinas del cabaret. Interesante cuarto largometraje como director del actor Mathieu Amalric, que define el new burlesque, “un instrumento femenino concebido para reconquistar un imaginario erótico tradicionalmente dominado, y moldeado, por la mirada masculina".
Lo curioso de “Tournée” es el modo descentrado de encuadrar y trasladar al montaje cierta imperfección que a la vez es un canto de libertad que rompe con las estructuras fijas impuestas por la estética Aristoteliana. La decadencia y el ridículo se van desgranando sobre una geografía discontinúa, errática y no tangible. Todo en este filme es obvio, es decir se conoce de ante mano lo que sucederá, todo mira hacia afuera, nada es personal todo es compartido. Todo es efímero e inconsistente. “Tournée” no muestra personajes fracasados sino más a un grupo de personas que se aferran a glorias pasadas, pero que éstas solo existen en sus imaginaciones. Los personajes son marginales y desamparados, no hay redención para ellos, y terminarán en el más absoluto aislamiento social, pero aún así son entrañables.
“La Revolución es un sueño eterno” (2010) de Nemesio Juarez. La historia se centra en los acontecimientos ocurridos en el Cabildo Abierto del 22 de Mayo de 1810 y en el frente del Ejército Expedicionario del Norte, donde se desempeñó como representante de la Primera Junta, Juan José Castelli (Lito Cruz). El filme es un viaje hacia los recónditos recuerdos de Castelli, que con un cáncer en la lengua, permanece mudo, ya que la realidad lo asesina más que su propia enfermedad. Basándose en el relato de Andrés Rivera, que a su vez tomó los diarios, de tapas rojas, de Castelli y los transformó en novela, Lidia Paulucci y Nemesio Juárez trazaron el itinerario de la historia, poco conocida, de uno de los próceres de la Revolución de Mayo. Castelli se preguntaba: ¿Qué nos faltó para que la utopía venciera a la realidad? ¿Qué derrotó a la utopía? ¿Porqué, con la suficiencia pedante de los conversos, muchos de los que estuvieron de nuestro lado, en los días de mayo, traicionan la utopía? ¿Escribo de causas o escribo de efectos? ¿Escribo de efectos y no describo las causas? ¿Escribo de causas y no describo los efectos? Todos los revolucionarios intuyen que “la revolución apenas nace fracasa”, eso le hace decir Alejo Carpentier a Esteban, el personaje del Siglo de las luces, y de otro modo lo dice Castelli en ese cuestionamiento que hace a sus contemporáneos. “La Revolución es un sueño eterno” intenta mostrar a una figura que murió pobre (como Belgrano y otros) y que resignó su vida en aras de un ideal superior, que no logró concretar porque la realidad lo fustigó hasta acorralarlo en la más absoluta soledad, para luego llevarlo hacia una terrible muerte. En todo momento Castelli se aferra a determinados elementos que transitan entra la paz y las batallas: como los Evangelios, las velas, el día nublado (pocos son los que aparece el sol) y las pistolas. En “La Revolución es un sueño eterno” es la imagen que la que habla a través del drama que descubre.
“Tatarak” (El junco-2009) de Andrzej Wajda. Es una curiosa película del realizador polaco en la que entrelaza realidad-ficción , y cine dentro del cine, en donde es posible verlo a él dirigiendo algunas secuencias. En este tipo de metacine encontramos como realidad y arte se entrelazan en un enigmático juego de sutilezas. En sus primeras versiones del guión Wajda intentó adaptar el cuento “Tatarak” de Jaroslaw Iwaszkiewicz, que trata sobre Marta (Krystyna Janda), una mujer que vive en el campo con su marido médico, ambos perdieron sus hijos en el levantamiento de Varsovia. Marta tiene un cáncer y le queda poco tiempo de vida, el doctor (Jan Englert) lo sabe, pero trata de ocultárselo. En su historia personal aparece Bogus (Pawel Szajda) un joven torpe y despreocupado que hace aflorar en ella una pasión incontenible, mezcla de amor maternal y atracción física.
A pedido de Wajda, luego de varios años Krystyna Janda, su protagonista en “El hombre de mármol”, interpretó el rol principal. El esquema del guión coincide con la realidad de Krystyna, ya que su esposo Edward Klosinski (conocido director de fotografía) muere de un cáncer terminal. Todo el sufrimiento que padeció sobre esa enfermedad la actriz lo plasmó en escritos y fueron incorporados a la película, proporcionando un recorte dentro del filme en el que lo real y lo imaginario se mimetizan. Wajda consigue con originalidad introducir el esquema de cajitas chinas en esta película, y a la vez no distraer al espectador, que sigue dos tramas paralelas. Su narración estimula todo tipo de emociones, permite entender el dolor de la ausencia y también provoca una saludable catarsis. “Tatarak” en esa mezcla de literatura, realidad y arte se transmuta en una metáfora de los azares de la vida, del tiempo que se escapa, del amor en sus versiones maduras y juveniles, de la resignación, el llanto, la risa y el dolor, y en todo lo que compone la cotidianeidad y el misterio del más allá.
En Pantalla Pinamar se vio lo mejor, lo bueno y lo no tan bueno, pero una vez más se estrecharon lazos de confraternidad y la alegría de compartir ciertos estados del alma, apoyados por una cinematografía que reveló la profundidad de la vida en espectáculos, y que por más corrientes que fueran, ante nuestros ojos se convirtieron en símbolo. ****************** Beatriz Iacoviello
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